una Ventana desde Madrid

Por Lourdes Morales Farfán

Miércoles, 19 de mayo de 2010

Enclavado en el corazón del Paseo de la Castellana, una de las arterias principales de Madrid, encontramos un museo que suele pasar desapercibido a quienes transitan por esta vía en constante ebullición. Se trata del Museo de Arte Público, antiguo Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana, situado bajo el puente que une las calles de Juan Bravo y Eduardo Dato.

El crecimiento urbano que se dio en la capital en los años 50 del pasado siglo XX y el consecuente aumento del tráfico hicieron que se decidiera construir un paso elevado que facilitara la comunicación entre la parte Este y Oeste de Madrid. Así, en 1968 se aprobó el proyecto de los ingenieros Alberto Corral López Dóriga, José Antonio Fernández Ordóñez y Julio Martínez Calzón. El lugar elegido para este puente de 320 metros de longitud y 16 metros de ancho fue las calles de Juan Bravo y Eduardo Dato. Las vigas son de acero corten¹, importado de Alemania, mientras que las placas que se colocan sobre ellas y los pilares que soportan el peso son de hormigón blanco.

Para las barandillas, se encargó su diseño a Eusebio Sempere. El material elegido es el hierro y el motivo que se repite es la forma en S del panel delantero, que se superpone a las líneas rectas de las barras del fondo. En la parte del centro y en los accesos se sustituyeron las "eses" por círculos. Tanto en unos como en otros, la sensación de los viandantes es de continuo movimiento.

Eusebio Sempere nace en Onil (Alicante) el 3 de abril de 1923. Con 17 años, se va a Valencia a estudiar en la Escuela de Bellas Artes. En plena posguerra, decide instalarse en París, donde se relacionará con los supervivientes de los movimientos vanguardistas, a los que no tenía acceso en Valencia. Inmerso de lleno en la tendencia geométrica², hace su aportación al movimiento cinético³. En 1960, vuelve a España, se instala en Madrid y se integra al Grupo Parpalló⁴, relacionándose también con los informalistas⁵, EL Grupo de Cuenca⁶ y los realistas madrileños⁶. Su obra transcurrirá siempre por las formas geométricas. Sempere fallece en abril de 1985 tras haber conseguido varios galardones, entre los que destacan el ser nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Alicante y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Tras inaugurar el paso elevado en 1970, surge la idea entre los ingenieros y el propio Sempere de crear un museo de escultura moderna bajo el propio puente. El Ayuntamiento acogió favorablemente la creación del museo ya que, además, quedaba salvado el obstáculo de la compra de las obras, que serían donadas por los autores y/o familiares gracias a la amistad que les unía con Sempere. Finalmente, el proyecto fue aprobado en 1971, haciéndose cargo el Ayuntamiento de los gastos de materiales y de su instalación. El museo, abierto al público en 1972, ocupa hoy día una superficie de 4.200 metros cuadrados, tiene una amplia zona central y, a ambos lados, cuenta con dos franjas de jardines. Para salvar el desnivel, se estructuró en terrazas a alturas decrecientes en dirección hacia el Paseo de la Castellana, que serán las que veremos más adelante junto a las obras que los integran.

Una de las obras que más nos llama la atención es la gran Fuente y su cascada, obra del ya mencionado escultor Eusebio Sempere. Realizada en hormigón y cemento blanco, la cascada está formada por módulos ondulados que hacen caer el agua, dotándola de mayor luminosidad y movimiento, a un estanque rectangular enlosado de granito.

A uno y otro lado de la Fuente, encontramos unos bancos también en forma de "S" del mismo escultor y realizados de idéntico material. Toda la zona de este primer sector ocupa una parte de lo que en tiempos fue la antigua Calle de Martínez de la Rosa, más conocida entonces como Calle de la "S" por la forma ondulante que tenía en su ascenso desde la Castellana hacia la Calle Serrano. Aunque esta calle fue suprimida, aún existe un pequeño tramo convertido en una escalinata que comunica con una pequeña terraza-mirador, donde encontramos una escultura de Gustavo Torner que detallaremos a continuación.

Subimos por la escalinata y, ya en la Calle Serrano, tenemos la obra Plaza-Escultura, de Gustavo Torner. El escultor aprovechó el espacio que se le concedió para mostrar de una forma unitaria plaza y obra. Él mismo señaló que esta idea de ocupar todo el espacio se le ocurrió al recordar un texto de Borges sobre el emperador "que quiso tener un plano muy exacto del imperio y ocupó una provincia; lo quiso más exacto y ocupó el imperio entero". Realizada en cobre y granito, finalmente tuvo algunas modificaciones en su construcción y lo que en principio se ideó como fuente, nunca llegó a funcionar como tal. El color rojo del cobre resaltaba sobre el marrón y negro de la plataforma, pero hoy se ha perdido este efecto al haberse oscurecido el metal por el paso del tiempo. El enlosado, hoy día hecho en mármol, tampoco iba a ser así, sino en un material más rústico, como el cemento. En 1993, el autor donó los bocetos de la obra al que en la actualidad es el Museo de Historia (antiguo Museo Municipal de Madrid).

Gustavo Torner nació en Cuenca en 1925. Su formación es autodidacta, aunque desde siempre ha destacado como gran dibujante. Tras vivir un tiempo en Teruel, se traslada a Cuenca en 1951. En 1956 conoce al pintor Fernando Zóbel. Junto a él y también con Gerardo Rueda, colabora entre 1963 y 1966 en la creación e instalación del Museo de Arte Abstracto⁷ creado por el propio Zóbel en las Casas Colgadas, en Cuenca. Hasta 1965 trabajará como Ingeniero Técnico Forestal, año en que comienza a dedicarse plenamente a la pintura y, de manera más puntual y por encargo, a la escultura monumental. Todo ello lo compaginará con la realización de escenografías para teatro y opera, así como con la reestructuración de algunas de las salas del Museo del Prado. En su ciudad natal, colabora en 1977 con el equipo que organiza el Plan General de Urbanismo de Cuenca y participa en el diseño de las nuevas vidrieras de la Catedral, que se colocaran en el templo en 1991. También en la capital conquense, se encuentra el Espacio Torner, ubicado en el antiguo Convento de San Pablo desde el año 2005 y donde hay un conjunto de cuarenta obras del artista entre esculturas y pinturas. Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 1987, es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1992.

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Primera terraza

Tríptico es una obra del artista Manuel Rivera, de la colección "Los Espejos", realizada en 1972. Construida en acero inoxidable para soportar mejor su exposición al aire libre, produce un efecto de profundidad y moiré⁸ al ir recorriéndola con nuestra mirada.

Manuel Rivera es un pintor granadino, nacido en 1928 y muerto en Madrid en 1995. Su formación artística la inició en Granada y la continuó en Sevilla. En 1957, junto a los pintores Rafael Conogar, Luis Feito, Juana Francés, Manuel Millares, Antonio Saura, Antonio Suárez y Pablo Serrano y los críticos José Ayllón y Manuel Conde, funda en Madrid el grupo "El Paso", revolucionando la pintura española de posguerra. Creó diversas series de obras, destacando "Las Metamorfosis" y "Los Espejos".

En 1981, le es concedida la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes y en 1984, es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Un mon per a Infants, Un mundo para niños, es una escultura de Andreu Alfaro realizada en 1971 y perteneciente a la serie "Generatrices". Consta de dieciséis barras de acero inoxidable de 2 metros de largo, unidas entre sí mediante un eje. La primera y la última son las que unen el monumento al pedestal, abriéndose sucesivamente en abanico y produciendo un efecto de rotación. Las formas se basan en una noria o un molinillo de viento, temas infantiles como los que ilustró el autor en un libro de Joan Fuster publicado en los años 50.

Andreu Alfaro es un escultor valenciano nacido en 1929. De formación autodidacta, no estudió en ninguna escuela de Bellas Artes. En los años 50 comienza a pintar y dibujar. En 1958, tras realizar un viaje para ver la exposición 50 años de Arte Moderno en París y Bruselas, comienza sus trabajos en alambre y hojalata. Al año siguiente, forma parte del "Grupo Parpalló", desarrollando un estilo geométrico que le acerca durante los años 60 al constructivismo⁹ soviético, caracterizándose por la síntesis: producir lo máximo con el mínimo de medios. A comienzos de los 60, construye esculturas públicas de aluminio en España y Alemania. En los años 80, trabaja de forma más figurativa en hierro y mármol, simplificando las formas a la vez que va explorando los problemas de peso y superficie.

Entre sus galardones podemos citar el Premio Jaume I, en 1980, y el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1981.

Mediterránea es una creación del escultor canario Martín Chirino de 1972. Construida en acero soldado y pintado al duco¹⁰ (horno) en rojo brillante, un color que es la primera vez que lo utilizaba en su trayectoria artística y cuya intención era suavizar las líneas y remarcar la tersura de la superficie dando una imagen de ligereza. La escultura evoca la luminosidad y claridad del mar Mediterráneo.

Martín Chirino nació en 1925 en Las Palmas de Gran Canaria. Inició su formación en la escuela canaria Manuel Ramos, continuándola en 1948 en Madrid, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando a la par que en talleres de herrería. Viajó por Francia, Italia e Inglaterra, coincidiendo en París con el escultor Julio González. Regresó a Las Palmas en 1953, donde comenzó a experimentar la abstracción inspirándose en el arte africano y en el surrealismo¹¹. De vuelta a Madrid, en 1958 expone por primera vez de forma individual y se une al grupo "El Paso". En 1959, presenta su obra Vientos, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, dentro de la muestra "New Spanish Painting and Sculpture"; esta exposición significó su proyección internacional al firmar, a raíz de ella, un contrato con la galería neoyorkina Grace Borgenicht.

En 1976, participa en la redacción del "Manifiesto de El Hierro", realizado en la isla herreña en defensa de la cultura e identidad canaria. En 1982, es elegido presidente del círculo de Bellas Artes de Madrid, cargo que ocuparía hasta 1992. En 1989 es nombrado director del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de su ciudad natal.

La Estructuración hiperpoliédrica del espacio es una realización del arquitecto español Rafael Leoz en 1971. Construido en acero inoxidable, es un conjunto de cuerpos geométricos dentro unos de otros, como si fueran una matrioska¹². El cubo¹³ exterior contiene un poliedro¹⁴ de Lord Kelvin¹⁵ (éste consta de 14 lados y está formado por 6 cuadrados y 8 hexágonos¹⁶) que a su vez contiene un octaedro¹⁷ regular, repitiendo esta secuencia otras dos veces más.

Rafael Leoz nace en Madrid en 1921 y fallece en esta misma ciudad en 1976. Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura, de la que fue nombrado director en 1965. Entre sus escritos destacamos "División y Organización del Espacio Arquitectónico", de 1965, con prólogo de Le Corbusier, de quien fue discípulo, y "Redes y Ritmos espaciales", de 1968. En 1973, comenzaría el libro "Arquitectura Molecular Hiperpoliédrica", que no terminaría al morir tres años más tarde.

En 1961, obtiene una Mención Especial Honorífica en la Bienal de Sao Paulo por su famoso Módulo Hele¹⁸ y en 1967, gana el premio de Mayor Interés Arquitectónico en el congreso de la UIA celebrado en Praga.

Entre sus obras, podemos citar la creación en 1969 de la Fundación Rafael Leoz para la Investigación y Promoción de la Arquitectura Social. En 1973, inicia la Embajada de España en Brasilia. Un año antes de morir, comenzó la construcción de 218 viviendas experimentales en Torrejón de Ardoz. Le Corbusier dijo de su módulo: «El módulo de Leoz es tan importante para la arquitectura de hoy como lo fueron mis ideas de los años 20 al 30» y respecto a él, «no he visto a nadie que formulara de una manera tan clara las leyes fundamentales de la arquitectura». Asimismo, recibió las alabanzas de Mies Van der Rohe por el mismo módulo.

La Estructura permutacional es una pieza de Francisco Sobrino realizada en 1972 y perteneciente a la colección del mismo nombre. Está formada por placas cuadradas de 50 centímetros de lado construidas en acero inoxidable que, al unirse unas a otras, forman unos cubos de caras semicerradas. Éstos, a su vez, moldean figuras de rombos que ascienden alrededor del eje central. El acero de las placas refleja la realidad existente a su alrededor, pudiendo cambiar según la hora del día y el punto de observación, de ahí el nombre de estructura permutacional¹⁹.

El autor, nacido en Guadalajara en 1932, pasó su infancia en Argentina, trasladándose a París en 1959 donde fundó en unión de otros artistas el "Recherche d'Art Visuel (Grupo de Investigación de Arte Visual)". Se le considera uno de los escultores más originales del pasado siglo XX con sus obras del movimiento óptico-cinético.

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Segunda terraza

Estela²⁰ de Venus, de 1973, es un trabajo del artista Amadeo Gabino construido con placas de acero inoxidable y remaches de hierro oxidado. El conjunto, al rodearlo, nos devuelve, como si de espejos se tratase, un variable conjunto de luces e imágenes. Otras obras del autor de la misma época son "Proa espacial" y "Armardura lunar", de 1966; "Vibración espacial", de 1974, o "Estela de Saturno" y "Estela de Marte", de 1975.

Amadeo Gabino nació y murió en la ciudad de Valencia (1922-2004). Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos mientras trabajaba en el taller de su padre, el escultor Alfonso Gabino. Conoció de las últimas tendencias artísticas recorriendo Europa entre 1948 y 1959. Prosiguió sus estudios en Roma, París y Hamburgo, influenciando su obra de su contacto con los escultores Marino Marini, Giacomo Manzú y Carlo Carrà. En 1951, pinta obras abstractas, siendo en 1960 cuando aplique la abstracción a sus esculturas. Becado en 1961 por la Fundación Ford, continúa sus estudios en Estados Unidos. Fue uno de los fundadores del Grupo Parpalló de Valencia.

A mediados de los años 60, época de grandes avances en la ingeniería aeronáutica y quizás motivado por ellos, comienza sus trabajos con láminas de acero, aluminio y otros metales. Usando una técnica de collage²¹ particular, sus creaciones constituyen estructuras formadas por superposición de chapas metálicas circulares y concéntricas. Cultivó otras diferentes artes, como el dibujo o la grabación.

Proalí. La que vemos en el Museo de Arte Público es una réplica en bronce de la escultura original en mármol blanco y expuesta en el patio del Museo de Historia de Madrid. La copia la realizó el artista tras sufrir leves desperfectos la de mármol en 1983 por un accidente de circulación. De formas casi totémicas²², el autor Marcel Martí demuestra su capacidad de crear formas simbólicas que, trasladándonos a un mundo primitivo, pueden llegar a emocionarnos.

Nacido en Argentina en 1925, de padres españoles, un año después junto a su familia se traslada a Barcelona, ciudad en la que ha residido desde entonces. Autodidacta de formación, a los 17 años empieza a pintar, siendo también atraído en 1946 por la escultura, a la que se dedica en exclusividad desde 1953 y tras varias exposiciones de pintura. En 1958, evoluciona hacia la escultura abstracta, y aunque en sus primeros tiempos cultivó la abstracción geométrica, se le considera informalista por el gran expresionismo²³ que le da a sus obras. A los inicios de los años 60 del pasado siglo XX, utilizó casi exclusivamente metales, siendo a mediados de dicha década cuando cambió a formas más naturales, utilizando una gran variedad de materiales como metales, piedra o policarbonato y dando a sus creaciones, básicamente monumentales y urbanas, una vitalidad superior a la esperada por el artista.

Móvil es una escultura del mismo artista que diseñó las barandillas, Eusebio Sempere. Realizada en 1972, consiste en dos cuadrados de varillas situados en paralelo con una separación entre ellos de 20 centímetros. En uno están las varillas formando un rombo y un aspa y en el otro están dispuestas horizontalmente. Con esta combinación consigue producir en el espectador que la observa diferentes percepciones visuales como efecto "moiré" y sensación de movimiento.

Al otro lado del muro, de José María Subirachs, es una obra de 1972 formada por un monolito de hormigón atravesada por seis esferas de piedra caliza. El artista, con estos diferentes materiales, hace un juego de contrastes, más acentuados aún según el diseño original en el que las bolas eran de aluminio. Éstas tuvieron que ser sustituidas ante los daños ocasionados por agresiones de vándalos.

El autor nació en Barcelona en 1927, estudiando en la Escuela Superior de Bellas de Artes de Barcelona. Se inició en el movimiento "noucentista"²⁴, dominador del ambiente catalán de entonces. En 1947, estuvo unos meses en el estudio de Enric Casanovas, representante de dicha corriente. En 1950, comenzó una segunda etapa expresionista, teniendo como muestra tardía de este período las esculturas en bronce para el Santuario de la Virgen del Camino de León. En 1951, pasó unos meses en París y, posteriormente, en los años comprendidos entre 1954 y 1956, estuvo en Bélgica, aprovechando éste período para viajar por los Países Bajos y Alemania. Este ciclo fuera de España le dio un conocimiento de las nuevas tendencias que hizo que orientase sus obras hacia una estilización²⁵ de la figura humana sin elementos figurativos que lo llevó progresivamente hacia la abstracción. A mitad de la década de los años sesenta, el artista volvió a la figuración²⁶ dentro de la corriente llamada "realismo fantástico"²⁷, continuando en ella hasta la actualidad, siendo el ser humano, y en particular el cuerpo femenino, el tema principal de ésta última trayectoria.

En su carrera artística, podemos destacar como uno de sus logros más importantes el encargo del grupo escultórico para la "Fachada de la Pasión" en el "Templo de la Sagrada Familia de Barcelona".

Proyecto para un monumento IV B es un trabajo de 1978 realizado en acero corten por parte del arquitecto Pablo Palazuelo. Dentro de una aparente sencillez, tenemos una plancha de acero, plegada como si fuera papel y que nos hace percibir una ligereza y movimiento inesperado en tan pesada escultura. Es algo presente en toda su obra y lo define el autor como "el dinamismo de lo aparentemente estático".

Pablo Palazuelo de la Peña nació en Madrid en 1916, muriendo en Galapagar (Madrid) en 2007. Su obra es muy original, apartándose de los movimientos y tendencias de su generación. Entre 1933 y 1936, vivió en Inglaterra, estudiando en el Royal Institute of British Architects de Oxford y en la School of Arts and Crafts de Londres. Tras la Guerra Civil, se dedicó en exclusiva a la pintura, trasladándose en 1948 a París con una beca del Gobierno francés e instalándose en el Pabellón Español junto a Eusebio Sempere y Eduardo Chillida. Es en 1954 cuando realiza su primera escultura, concentrándose cada vez más en esta disciplina artística. En 1969, regresa a España. En su producción, destaca su alta calidad dada su pulcritud y minuciosidad. Sus trabajos están relacionados con la música; el autor, durante una entrevista, expresó que a veces mientras trabaja es como si estuviera escuchando música.

En 1973, tuvo su primera exposición exclusiva en la Galería Iolas-Velasco y en 1982 ganó la Medalla de Oro de las Bellas Artes.

Volúmen-Relieve-Arquitectura es un mural de casi diez metros de ancho situado entre dos escalinatas en la terraza intermedia. Construido en 1972, el artista traslada aquí su experiencia en el relieve²⁸, simplificando al máximo la escultura en una sucesión de estelas rectangulares y pequeños cubos. Dispuestas a diferentes niveles, el juego de luces y sombras confieren movimiento al conjunto, estando su diseño perfectamente integrado en el diseño del propio museo y de los elementos que lo forman.

Gerardo Rueda nació y murió en Madrid (1926-1996). Estudió Derecho y fue un artista autodidacta, iniciándose en la pintura paisajística de estilo impresionista²⁹, en 1942. Su primera exposición la realizó en 1949, en la Galería de la Revista de Occidente de Madrid. Desde 1955, traslada su estilo hacia la tendencia constructivista, dentro de la abstracción.

Desde 1963, junto a Gustavo Torner, trabaja en la instalación del Museo de Arte Abstracto Español, en la ciudad de Cuenca. Conocido sobre todo por sus collages y considerado sucesor de la obra de Juan Gris, destaca también su labor como grabador. Finalmente, en el campo del diseño, remodeló en 1986 varias salas del Museo de Santa Cruz en Toledo.

Mère Ubu, Mujer pájaro, es una figura más parecida a un ídolo, o tótem, que a un animal fantástico. Se trata de una creación del año 1975 de Joan Miró en la que se repiten temas ya tratados anteriormente por el autor, como mujeres y pájaros. Para su realización, se basó en la obra Ubu Rey, del escritor francés Alfred Jarry, muy popular entre dadaístas³⁰ y surrealistas.

Nacido en Barcelona en 1893 y fallecido en Palma de Mallorca en 1983. En 1907, comienza sus estudios en la escuela de Bellas Artes de la Lonja y en la Escuela de Comercio de Barcelona. Después de una enfermedad en que estuvo fuera de Barcelona, vuelve a continuar sus estudios en la Escuela de Arte de Francesc Galí. En 1919, tras su primera exposición individual en las Galerías Dalmay, de Barcelona, comienza una serie de frecuentes viajes a París hasta que termina por instalarse allí, trabando relación con Picasso, Tristán Tzra y Max Jacob. En 1922, entra en el "Grupo de la rue Blomet"³¹ junto a André Massón y Antonin Artaud, relacionándose posteriormente con surrealistas como Bretón, Max Ernst, Paul Eluard o Magritte.

En 1935, participa en la exposición surrealista de Tenerife y en 1936, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en la exposición "Fastantic Art, Dada, Surrealism". En 1937, pinta "El Segador" o "El payés catalán en rebeldía" para el pabellón de la República Española en la Exposición Universal de París. En 1947, realiza el "Mural del Sol y la Luna" para la sede de la Unesco en París.

En 1975, inaugura la Fundación Joan Miró en Barcelona y en 1979, la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma de Mallorca, ciudad a la que se había trasladado en 1956.

El autor, junto a Picasso y Dalí, es uno de los artistas españoles con más proyección y reconocimiento internacional del siglo XX. Muy reconocido como pintor, en diferentes momentos a lo largo de su carrera tuvo incursiones en otras manifestaciones artísticas, como la escultura y la cerámica.

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Tercera terraza

La petite faucille, La pequeña hoz, es una ampliación en bronce del original realizado en hierro forjado y del que se hicieron varias copias que se distribuyeron por diferentes museos de Europa y América. Es una obra de Julio González realizada alrededor de 1937, durante la Guerra Civil Española. A la escultura original también se la conoce por el nombre de "Homenaje a la hoz y el martillo". Similar a otras esculturas de 1937 como "Dajne" o "Bailarina de la margarita", puede verse en ella un reflejo de las posteriores obras conocidas como "figuras fitomórficas" (de formas vegetales).

Julio González Pellicer, nacido en Barcelona en 1876 y fallecido en París en 1942, fue uno de los escultores modernos más importantes de principios del siglo XX. El conocimiento de su obra es necesario si se quiere entender el desarrollo y la transformación de la escultura contemporánea. No sólo fue uno de los primeros artistas que utilizó el hierro, sino que también consideró el espacio como otro elemento importante de la escultura. Su obra cumbre, "Maternidad", conocida posteriormente como "Monserrat", la realizó en 1937 para el pabellón de la República Española en la Exposición Universal de París. Sus realizaciones han sido de gran influencia en generaciones posteriores.

Lugar de encuentros III, o Sirena varada, de 1972, es el primer trabajo en hormigón blanco de Eduardo Chillida y fue creado especialmente para estar en el centro del museo, suspendido del puente. En 1973, se retiró alegando un posible sobrepeso para la estructura del puente a pesar de los informes técnicos en contra. No volvió a su lugar hasta 1978, siendo expuesta durante este período en la Fundación Maeght de París y en la Fundación Miró de Barcelona. Se convirtió en un símbolo de lucha por la democracia al atribuir su retirada del museo a motivos ideológicos.

Eduardo Chillida Juantegui nació en San Sebastián en 1924 y murió en la misma ciudad en 2002. Es uno de los artistas españoles de mayor prestigio internacional del siglo XX. Comienza sus estudios en la Escuela de Arquitectura de Madrid en 1943, abandonándolos por su vocación artística en 1947, viajando hasta París en 1948. Sus primeros trabajos, inspirados en el arcaísmo³² griego y la escultura de Henry Moore, ya definen el aspecto monumental de toda su obra. En 1951, trasladado a Hernani, realiza su primera escultura en Hierro, "Ilarik", relacionándola con las costumbres ancestrales del pueblo vasco.

Una vez que domina el trabajo en hierro, da una enorme importancia a la expresividad de cada material y a sus capacidades estructurales, liberando la energía de cada uno de ellos para proyectarla en el espacio. Así, en los años 50, utiliza el hierro para crear series como "Yunque de Sueños" o "Peine de Viento"; en la primera mitad de los 60, es la madera la utilizada para la serie "Abesti Gogora"; y desde 1965, tras un viaje a Grecia, investiga los efectos de la luz en las esculturas, realizando en alabastro la serie "Elogio de la Luz".

En los años 70, son el hormigón y el acero los materiales utilizados tras sus investigaciones sobre la materia y el espacio. Dada la monumentalidad de la mayoría de sus obras, están ideadas para ser expuestas al aire libre. Entre ellas, podemos destacar "El peine de los vientos", "Elogio del horizonte" o "Gure Aitaren Etxea", en San Sebastián, Gijón y Guernica, respectivamente.

Destacando también sus trabajos de grabador, dibujante y pintor, fue un artista que obtuvo la mayoría de las más preciadas distinciones nacionales e internacionales.

Toros ibéricos es una obra realizada en bronce por el escultor Alberto Sánchez. En ella, deja de manifiesto su gusto por el uso de formas verticales y curvas, así como por unir las figuras en un solo conjunto, dándole a la obra su peculiar toque expresivo. Esta masa sólo se rompe en el hueco que introduce en la figura más esbelta. Con esta escultura, Alberto Sánchez deja patente su deseo de crear obras que simbolicen las raíces españolas, que evoca desde la nostalgia, y de reanudar una obra interrumpida por la Guerra Civil y el exilio.

La figura que vemos expuesta en el museo es una donación de los herederos del escultor. Se trata de una ampliación en bronce, mientras que la original, de menor tamaño que ésta (45 cm.), aún permanece en la colección familiar.

Alberto Sánchez nació en Toledo en 1895. A los 12 años, va a Madrid e ingresa de aprendiz en un taller de escultura decorativa. En sus inicios, su obra refleja una clara influencia de Picasso, enmarcándose en la tendencia cubista³³. En 1922, conoce al pintor uruguayo Rafael Barradas, quien le anima a participar en la Exposición de Artistas Ibéricos que se celebró en el Parque de El Retiro en 1925. Esto le sirvió para que un grupo de intelectuales solicitara a la Diputación de Toledo una pensión para él que le permitiera vivir dedicado exclusivamente a la escultura. Entre 1926 y 1936 crea junto con el pintor Benjamín Palencia la primera Escuela de Vallecas³⁴ para alzar el arte nacional compitiendo con el de París. Será entonces cuando abandone el cubismo y se pase al surrealismo, inspirándose en el pueblo y en la naturaleza.

Lamentablemente, la mayor parte de su obra anterior a la Guerra Civil Española fue destruida. El estallido de la contienda le sorprende en Moscú, donde daba clases de dibujo a los niños españoles allí enviados. Y en Moscú, donde además se dedicó a la pintura y a la creación de figurines y decorados, vivirá hasta su muerte, en 1962. En 1974, su familia creó en Madrid la Fundación Alberto, en la que se exhibe una exposición permanente de su obra.

La obra Unidades-Yunta, realizada por Pablo Serrano en 1972, pertenece a una serie de esculturas englobadas bajo el mismo nombre. Compuesta de dos piezas redondeadas, independientes y de gran tamaño, representa la unión de las fuerzas opuestas que forman el mundo, como por ejemplo la vida y la muerte. Realizada en bronce, el interior dorado y brillante destaca sobre el resto, oscuro y sin pulir, creando así un juego de contrastes de luces y sombras. En su parte trasera, tenemos algunos signos realistas que hacen referencia a la capacidad de creación humana y a la relación entre el pasado y el presente: por un lado, dos huellas de manos que evocan las pinturas rupestres; por otro lado, unos frascos que aparecen entre la masa de bronce, símbolo de la civilización actual.

Es la única escultura que hay en la zona del museo que quedó separada del resto por el Paseo de la Castellana. Está situada en el acceso a la Calle de Eduardo Dato.

Pablo Serrano nació en Crivillén (Teruel) en 1910, estudiando en Zaragoza y en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Entre 1930 y 1954, vive en Argentina y Uruguay, lugar este último donde conoce al pintor Joaquín Torres García. Serrano, junto a otros artistas, será el fundador del Grupo Paul Cézanne³⁵. En 1954, regresa a España, donde se le otorga el Gran Premio de Escultura de la III Bienal Hispanoamericana celebrado en Barcelona. En 1957, participa en la fundación del grupo informalista El Paso³⁶. Al año siguiente de celebrarse la primera exposición en la madrileña Galería Buchholz, Serrano y su mujer, la pintora Juana Francés, dejan el grupo. Su obra podría caracterizarse por su eclecticismo³⁷, pasando de la figuración a la abstracción, aunque se mantendrá principalmente en un constante expresionismo. En 1981, fue nombrado académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Fallece en Madrid en 1985, creándose al año siguiente la Fundación Museo Pablo Serrano en Zaragoza.

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Lourdes Morales Farfán es Licenciada en Periodismo por la Universidad Rey Juan Carlos. ↑

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